B Fachada no i

Diz Ricardo Lima Esteves: “se mais não houvesse, B Fachada vai ajudando a recordar-nos que ainda existem estações do ano. A cumprir o requisito mínimo que o próprio criou dos dois discos por ano, “Criôlo” chega mesmo a tempo do Verão. Em modo dança, feito de electrónica feliz e num constante bem bom, quase feito para animar eventos de mexer a anca. Nesta onda da cantoria acompanhada pelo discobeat chegam dois momentos incríveis em “Como Calha” e “Carlos T” (esta pertence mesmo à pista). Depois de uma boa marca no registo cantautor mais comum em “B Fachada”, de Novembro do ano passado, Bernardo Fachada volta a mostrar que é daqueles irrequietos em constante busca da reinvenção, o que não é coisa pouca. Porque ainda por cima teima em fazê-lo bem. Se há algo que fica é mesmo esta celebração em forma digital que acompanha o trocadilho e a visão da nossa praça, que é só dele”

B Fachada no SNAP7HOTS

Diz o André Lopes: “As 8 faixas que constituem o disco vêm mostrar uma nova vertente do sentido de autor de B Fachada – a música é “quase” de dança. E digo quase porque, à boa maneira “fachadesca”, Criôlo promete fazer agitar corpos com sonoridades que parecem quase uma sabotagem à música que eventualmente se escutaria… para dançar. Os teclados analógicos (antiquados, quem disse?) resgatados de uma década passada ajudam a trabalhar este sentido irónico-sonoro que contamina todo o alinhamento, atingindo o seu ponto máximo em “Carlos T” – uma faixa que conta com os tão sarcásticos impulsos de teclado em modo orquestral. Como que um enaltecimento daquilo que se considera piroso em relação aos anos 80”

B Fachada no ESPALHA FACTOS

Diz o João Morais: “Criôlo traz-nos uma abordagem “fachadesca” da Pop de dança, com uma atitude desarmante de quem faz música por prazer e não tem medo de parecer foleiro ou de mau gosto. Quente e exótico, este disco mostra também um B Fachada em modo “tongue-in-cheek”, e isso traduz-se num álbum animado e feito para fazer mexer as ancas de forma completamente despreocupada”

B Fachada "Criôlo"

Os Quais no EXPRESSO

Os Quais no DIÁRIO DE NOTÍCIAS

Diz o João Moço que “esta é uma bossa nova que se quer moderna e não saudosista, que se deixa levar pela míriade de pormenores electrónicos que Tomás Cunha Ferreira trabalha como uma tela e pela Lisboa e o seu Largo do Calhariz descritos por Jacinto Lucas Pires, que sabe bem trabalhar a palavra no contexto da canção sem querer fazer disso literatura”

Os Quais no DIÁRIO DE NOTÍCIAS (entrevista)

Os Quais no i

Da entrevista a Jacinto Lucas Pires: “Meu Caro Amigo Chico” serve como uma espécie de sequela à carta de exílio de Chico Buarque para o Brasil. No vosso caso temos uma carta de exílio para o Chico? Começou simplesmente como uma encomenda para o documentário da Joana Barra Vaz sobre o Chico. Pensámos em fazer uma resposta portuguesa à carta. Apesar de ser uma homenagem ao Chico, usámo-la como pretexto para dizer que se calhar Portugal tem de ser mais Brasil, menos tristonho, mais optimista e virado para o futuro. No Brasil dizem que são o Portugal tropical, acho que nós é que temos de ser o Portugal tropical. Temos de ser como nos chamam no futebol: o Brasil da Europa.

Agustí Fernández on Jazz Word

 

On his review for “Whole Note” Vol. 17 #9, Ken Waxman wrote: “The originality results because Fernández doesn’t play any of that music but instead offers interpretations birthed from careful, repeated listening to many of those compositions. Fernández’s magisterial elucidations include such chamber music staples as subtle dynamic shifts and exposing waterfalls of carefully positioned notes, but he isn’t limited to flourishes”.

Diabo na Cruz na RUA DE BAIXO

 

Escreve Miguel Barra: “É roque popular mas não menos atual por isso. De certa forma a chave está na forma como se interpreta o significado de “popular”. É uma afirmação. É (mais) uma forma de mostrar que há quem não se conforme e que está a usar as armas à sua disposição para se fazer ouvir. É um belo álbum, é o que é”.

Diabo na Cruz no BODYSPACE

Da entrevista de Hugo Rocha Pereira: “Vi no facebook uma foto do Barata e do Gil com o Quim Barreiros e ouvi dizer que vocês têm uma especial estima pelo “Puta Vida Merda Cagalhões” do grande Nel Monteiro. De onde vem o fascínio por estes artistas da Música Popular Portuguesa, tantas vezes alvos de chacota? Uma parte do nosso trabalho consiste em atravessar a eito o preconceito para obter um grau de aceitação que reforce o nosso auto-conhecimento. Isto é uma parte do que nos tem atrasado relativamente à música de outros países. Foi aquilo que os tropicalistas fizeram nos anos sessenta e décadas seguintes, está na relação da boa música americana com as suas raízes country. A nós interessa-nos o que faz este povo dançar porque temos coisas algo desconfortáveis para dizer e é importante que o leve e o ridículo entrem na equação, se não corremos o risco de nos levarmos demasiado a sério. Esta banda funciona como a Sopa da Pedra, cabe tudo no caldeirão e é para atirar tudo lá para dentro, sendo que o verdadeiro assunto é a pedra e há-de calhar a quem deseje encontrá-la persistentemente”.

Éme "Gancia" (STREAMING E DOWNLOAD GRATUITO)

Este “Gancia” é o primeiro álbum de um artista a solo no seio da Cafetra. E, numa repentista tangente entre folclore onírico e pop fantasista, aquele que, num contexto de música popular, consegue, sem renunciar ao equilíbrio entre imediatismo de procedimentos e pungência emocional que parece ser comum ao ideário dos colegas de editora, sugerir os mais inesperados caminhos. Diz o Éme: “acho que este disco é importante para a Fetra porque é o primeiro longa-duração que se afasta do espectro de rock abrasivo a que, provavelmente, mais pessoas tiveram acesso e a que imediatamente nos associaram. Mostra também que nunca pensámos na Fetra como um colectivo com ideias inequívocas ou consensuais mas antes como um espaço em que se acolhem e complementam as ideias de cada um”.

O espírito colectivista da Cafetra tem sido, aliás, um dos principais motores para os elogios granjeados pelos seus activistas, principalmente num meio em que muitas vezes se mistifica esse valor com propósitos sinecuristas. Um álbum de um escritor de canções parece contrariar essa ética, mas Éme é claro: “Nas canções que faço há sempre trabalho que não é meu – até porque é a observação dos outros o que lhe dá o mote. Por isso, este "Gancia" é meu e de amigos meus… na gravação, mistura, masterização, execução e tudo o que se possa imaginar. Em casa do Luís Gravito (Cão da Morte), com a presença regular do Leo (Kimo Ameba, Go Suck a Fuck, Rabuh Mastah, Putas Bêbadas) e do Filipe Sambado (Cochaise), com os toques finais do B Fachada, conseguimos o som que tudo isto pedia: caseiro mas nunca demasiado áspero ou duro. Este som, que dá a vida final aos arranjos e às canções, parece-me uma das coisas que faz deste disco um objecto algo singular”.

Surpreendente é também o ambiente relativamente espartano em que respiram parte destas canções. Às vezes basta um dedilhado – ora mais narcótico, ora mais neurótico – ou um pedal para suster a estrutura de cada tema. Também isso foi uma preocupação: “tentámos não dar às canções mais do que o que elas pediam. Não nos interessou a grandiosidade da instrumentação ou o seu sentido épico. Nos temas de "tom mais confessional" (pior expressão), fazer o arranjo foi escolher apenas o essencial de um grande número de ideias e a partir daí construir o estritamente necessário. Tudo o que estivesse a mais ficava mal”.

É nesse quadro de inegável sobriedade que sobressaem as características melódicas e harmónicas de Éme. Mas também nesse particular ele partilha o mérito: “uma das coisas mais importantes do disco é a voz da Júlia. As harmonias que a Júlia ouve são especiais e mais ninguém as podia fazer. Soam naturais porque são mesmo. Não há truques, é mesmo assim”.

“Gancia” é a vulnerável revelação de um autor que começa a querer desvendar/(re)inventar os mistérios do mundo a partir de um quarto e de uma audiência de meia dúzia de amigos, mas que, pela mais pura honestidade artística, quer também tudo isso transcender: “o que posso dizer mais é que estou muito entusiasmado com este disco. É um disco de que gosto muito e é também um disco que me dá muito espaço para progredir. Espero fazê-lo nos próximos”.

Ouvir "Gancia" é ver o Éme a partir para o outro lado do espelho.

"Gancia" terá uma edição limitada a 100 exemplares, colocada à venda no concerto de apresentação agendado para a Zé dos Bois, a 15 de Junho!

Os Quais "Meu Caro Amigo Chico" (VÍDEO]

com: PEDRO SÁ, RICARDO DIAS GOMES, VINÍCIUS DE MAGALHÃES, e JOÃO MORAIS gravado nos FANQUEIROS DO SOM por BERNARDO BARATA e JOSÉ DE CASTRO filmado e gravado no contexto do documentário musical "MEU CARO AMIGO CHICO" JBV / LSP 2012

Os Quais "Pop é o contrário de Pop"

Já passaram três anos desde que o rockeiro (pelo menos para os parâmetros bossa-novistas dos que já lhes conheciam as canções) EP "Meio Disco" fez sair da toca esta dupla. Afinal, o Jacinto e o Tomás, que tocam e cantam juntos desde os tempos de escola, davam-se a ouvir descontraidamente e não iam mudar de vida só porque sobre eles se escreveram maravilhas:

“Os Quais fizeram de um meio disco uma ideia inteira”, Nuno Galopim (DN); “O disco inteiro promete”, João Lisboa (EXPRESSO); “Apenas seis músicas mas todas elas imprescindíveis”, Frederico Batista (SAPO.pt); “Entre a Lisboa letrada e a enganadora leveza da música brasileira”, Lia Pereira (BLITZ); “Tem rocks e pops e bossas e constrói uma ideia de personalidade”, Mário Lopes (PÚBLICO); “É «Meio Disco» mas já é muita coisa”, Davide Pinheiro (DISCO DIGITAL); “A qualidade de um disco inteiro”, Rui Dinis (A TROMPA); “Destes aventureirismos estamos necessitados”, Gonçalo Palma (COTONETE).

Mas também porque levaram o desafio à letra, cuidaram em coligir responsavelmente aqueles materiais que melhor os representavam e convocar amigos barra-limpa: Domenico Lancellotti (ritmista, cantor, compositor, integrante do trio +2 e baterista de Adriana Calcanhotto, autor em 2011 do álbum "Cine Privê", em que se inclui a doce 'Os Pinguinhos', canção escrita em parceria com o Tomás), Alberto Continentino (ás do baixo que tocou com meio mundo no Brasil e que também grava com Calcanhotto), Ricardo Dias Gomes (da banda Cê de Caetano Veloso e também da Do Amor), Pedro Sá (guitarrista com vastíssimos créditos mas actualmente também integrante da banda de Caetano), Bruno Medina (dos Los Hermanos) ou - em 'Bunganvília' - Péricles Cavalcanti (cantor, compositor e teórico, com originais gravados desde a década de 70 pelas vozes de Caetano, Gal ou Arnaldo Antunes); e do lado de cá criaram bases rítmicas no contrabaixo de Hernâni Faustino e na bateria de Gabriel Ferrandini (músicos de muitas andanças jazz mas colegas no RED Trio).

O resultado é quintessencialmente quaisiano: letras de quem trabalha a língua e está habituado a driblar-lhe os convencionalismos, músicas de quem pinta com olhos de paisagista, focado no panorama geral mas consciente de que deus e o diabo se encontram nos detalhes.

Péricles Cavalcanti sabe. E escreveu-nos o PR:

“Há alguns anos, Nina, minha filha, me disse que queria que eu conhecesse Tomás, um seu amigo português (e de muitos amigos nossos), artista plástico e também músico (que já havia morado aqui em São Paulo e que agora estava de volta a Lisboa) que conhecia música brasileira. Bem, não demorou pra que eu ouvisse algumas gravações dele, com seu parceiro Jacinto, na banda “Os Quais”.

Imediatamente, mesmo antes de ouvir o som, já gostei deste nome de banda: sintético, moderno e auto-irônico. Depois fui ouvindo as gravações, simples, contemporâneas e experimentais e fui gostando ainda mais de tudo o que elas estavam dizendo. Soube que os “nossos amigos” a que Nina se referia eram os músicos do “+2”: Moreno Veloso, Kassin e Domenico Lancellotti e também o guitarrista Pedro Sá, todos, mais ou menos, da mesma geração de Tomás e Jacinto, e soube, também, que aqueles faziam o som brasileiro atual com que estes se identificavam mais.

Logo em seguida, eu e Tomás ficamos amigos, via e-mails, e ele me encomendou uma vinheta com o tema “futurismo” para uma das gravações do primeiro disco de “Os Quais”. Até que ele veio a São Paulo e, finalmente, nos conhecemos pessoalmente, conversamos muito e, assim, gostei ainda mais dele.

Isso tudo, de um modo bem resumido, pra chegarmos até este novo ‘pop é o contrário de pop”. Minha participação nele começou com o convite, que eu de pronto atendi, pra dividir os vocais com Jacinto (o que fizemos via internet) na bela “Buganvília”, canção que ecoa, pra mim, algumas canções de Caetano Veloso, artista que faz parte do “paideuma” musical da dupla.

Agora ouço o disco completo e fico mais contente de saber que, além de levar adiante as “explorações de estilo” do primeiro disco, as participações nas gravações se estenderam ainda mais, incluindo alguns daqueles nossos amigos, como por exemplo Pedro Sá, baixo e guitarra, em ‘É adeus”, canção que, “misturando” jeitos luso-brasileiros, diz, candidamente, “Tchau, adeus”. Ou Domenico Lancellotti, na bateria, nesta ‘Bandeira”, com melodia tão bonita, curta e límpida, cuja letra faz uma referência (ou reverência!) sutil ao grande James Brown e que conta, também, com a participação, entre outros, de Bruno Medina (de “Los Hermanos”, outra das referências musicais contemporâneas de ‘Os Quais”) tocando um banjo indiano.

Vale dizer que Domenico é também parceiro de Tomás em “Quem sabe”, além de participar dos vocais nesta faixa que encerra o disco realizando uma “ponte transatlântica lírica” com timbres de celesta e um belo e áspero arranjo de cordas (que lembra o som de rabecas do nordeste brasileiro) de Miriam Macaia.

Outro “link” mais explícito com a música brasileira está nesta canção-resposta-enviesada aos “Caros amigos” de Chico Buarque, “Meu caro amigo Chico” (feita para um filme documentário) em cuja letra são citados, também, ícones da cultura pop universal, como Paul McCartney e Fred Astaire, numa faixa que tem a participação, entre outros, do brasileiros Ricardo Dias Gomes (da banda “Do amor”), no piano Fender Rhodes e em que vale destacar o ótimo arranjo para metais do português José Castro.

Quando ouço a musica de “Os Quais”, inevitavelmente, penso nas relações culturais luso-brasileiras, hoje, e é como se Tomás e Jacinto, incorporando elementos de nossa canção moderna (pós-bossanova) que tanto lhes interessam, nos devolvessem, nas deles, de uma forma original, a possibilidade de compreendermos um pouco de nossa própria identidade poético-musical, que para nós, dentro deste “caldeirão”, parece bem menos clara. Não foi à toa que Portugal nos legou nossa língua!

Ouça-se, assim, esta emblemática, “Monossilábica”, em que não há outras participações que não a de Jacinto no vocal e de Tomás, no violão e na guitarra. Esta canção, uma das minhas preferidas no disco, num certo sentido filha direta de uma tradição experimental, traz na letra um exercício lingüístico que, implícitamente, faz uma reflexão sobre o uso pouco usual dos monossílabos em letras de canções em português (língua com um vocabulário composto por palavras e expressões mais extensas), característica essa tão comum em canções na língua inglesa, “naturalmente” mais sintética (o que, presumivelmente, a tornaria mais flexível para as divisões rítmicas!). E tudo isso “acompanhado” por um violão swingado, de inspiração tão brasileira e moderna.

Outra de minhas faixas preferidas, neste disco todo interessante, é esta “Corpo” que eu já conhecia desde uma gravação-demo anterior (que Tomás me enviou) e que sempre me chamou atenção pela delicada e cinematográfica descrição que sua letra faz de um belo corpo feminino, como num plano seqüência de um dos filmes iniciais da Nouvelle Vague: “mais livre teatro das formas exatas”. Lindo! E que ótimo baixo acústico, sinuoso e envolvente, toca o Alberto Continentino, nesta gravação!

“E como poderemos, então, não ver, aí, a beleza!”. Ouça-se, assim, esta outra faixa, “Duas imagens”, uma composição mais “universalmente” pop e que com sua estranheza, na entonação da melodia quase-falada e na letra, por si só, justifica e explica o titulo deste álbum.

É, este pop é mesmo diferente de pop. E não podia ser de outro modo.

Viva!

Péricles Cavalcanti”                                                                                         

“Pop é o contrário de Pop” – e, enquanto palíndromo, ninguém pode rebatê-lo – vai para as lojas dia 1 de Junho.

Os Quais "Pop é o contrário de Pop" (CAPA DO CD E FOTO DE PROMOÇÃO)

Os Quais "Pop é o contrário de Pop" (FOTOS DE PROMOÇÃO)

Os Quais "Pop é o contrário de Pop" (FOTO DE PROMOÇÃO)

Diabo na Cruz no RITZ CLUBE

Passe o trocadilho fácil, a noite foi de glória no número 57 da Rua da Glória! 

Reacções: “Uma volta às origens de forma tão inovadora como rebelde” diz o HardMusica, “Espectáculos como os que estes rapazes dão não são muito habituais, e temos que valorizar as oportunidades que os temos de ver ao vivo!” conclui o BandCom, “Foi bonita a festa, siga a dança” sintetiza o MyWay e o Bodyspace sabe que os “Diabo causariam furor nos Santos Populares”!

Fotografias no MySpace!

Diabo na Cruz na TIME OUT LISBOA

Diabo na Cruz: "Roque Popular" pelos blogs

É uma fresquíssima novidade e já tantos a ela reagem: no “Eu e o meu Ego” fala-se em “Roque na Aldeia”, com “O velho de bigode. A velha que sai sempre de avental. O gordo que está ao pé das barracas de bifanas. A miúda mais gira”, no “BandCom” sugere-se que “Desde cantautores mais antigos e estabelecidos como Sérgio Godinho, Fausto ou Vitorino que um grupo musical não trazia tão bem a música tradicional para o burburinho da cidade e para o seu caos de música moderna em constante evolução”, na “Arca do Rock” diz-se que o “o rock popular existe, e pela reação do público, veio para ficar”, no “Work-Song” começa-se “por dizer que os Diabo na Cruz são, possivelmente, o melhor projecto que surgiu na Música Portuguesa desde os Ornatos Violeta”, no “Copyfónico” afirma-se que, “se continuarem por estes trilhos, os Diabo na Cruz arriscam-se a ser, não apenas uma grande banda roque, mas também dos mais lúcidos olhares sobre o Portugal que sempre nos teima em fugir, mesmo nunca saindo do mesmo lugar” e no “Lusophonia” crê-se que quase todas as canções de “Roque Popular têm potencial para ser singles, para rodar até nas rádios mais quadradonas. Todas elas são marcadas por uma batida frenética dos tambores. As letras são vociferadas quase em modo de combate”!

Diabo na Cruz na VODAFONE FM

Diabo na Cruz fizeram uma Mexetape para a Vodafone FM!

Diabo na Cruz na BLITZ

Escreveu Luís Guerra na Blitz sobre as canções de "Roque Popular": “uma tendência irresistível para melodias que cumprem a função para a qual foram designadas: morar no ouvido até à próxima temporada”.

Diabo na Cruz no PÚBLICO

 

Diabo na Cruz no DIÁRIO DIGITAL

Diz Davide Pinheiro: “Em matéria de roque popular, o Diabo continua a ir à cruz. Os loucos estão certos que a aldeia vai ser virada do avesso com os itinerários principais que ligam o litoral ao interior e aproximam as beiras do centro. É nessa convergência geográfica entre o rock  e as tradições que continuam imbatíveis.”.

Diabo na Cruz na TIME OUT LISBOA

Diabo na Cruz na COTONETE TV

Diabo na Cruz "Roque Popular" (Press Release, Entrevista com Jorge Cruz, Biografias, Concertos)

Lançado no final de 2009 e reeditado em versão dupla em 2010, “Virou”, o primeiro álbum de Diabo na Cruz, foi unanimemente considerado um marco na música nacional pela forma como integrou sonoridades de música tradicional e de rock contemporâneo, 25 anos depois do António Variações de 'Quem Feio Ama...'/'...Que Pena Seres Vigarista', por exemplo. Desde então o grupo destacou-se pelos concertos explosivos, perto de 100 por todo o país. 2012 testemunha o lançamento de “Roque Popular”, destinado a aprofundar o trabalho que ficou para trás e apontar novos rumos.

Ouvindo o novo disco pressente-se um impulso programático que pode bem reflectir-se naquela – mais que tradução – quase inversão topológica que lhe inspira o título. Partindo do estilisticamente genérico ‘pop rock’, cuja matriz anglo-saxónica é hoje evidentemente global e infinitamente extensível, Diabo na Cruz caminha para um específico e rigorosamente demarcado ‘roque popular’ que não se imagina possível em nenhum outro lugar do mundo nem sequer tão bem pronunciado por outrem.
É uma subversão endémica num grupo que não ‘foge como o diabo da cruz’ das polémicas relativas a identidade. Ainda para mais quando, como não poderia deixar de ser, esse singular código que veicula só se compreende num contexto cultural de relativa abrangência. Os equilíbrios entre individual e colectivo, moderno e tradicional, mito e realidade, urbano e regional, etc, são convocados pelas suas canções e revelam-se como pontos de fricção que, por sua vez, servem de pano de fundo a conteúdos políticos, sociais, íntimos.
Mas nada disto teria o mesmo impacto – que implica reconhecer “Roque Popular” como uma importante manifestação na música popular portuguesa do último decénio – se não nos chegasse embalado numa estética destemida, celebrativa e resolvida.
Estas e outras considerações serviram de base a uma conversa entre João Santos (editor na Mbari e crítico do semanário Expresso) e Jorge Cruz, onde se discutem as motivações por trás deste trabalho, as mudanças na formação da banda, as canções ou, inevitavelmente, um certo estado de coisas em relação ao país.

João Santos: Em “Roque Popular” aumenta a tensão entre a, chamemos-lhe, ‘música moderna’ e a ‘música popular’ portuguesas. E um dos temas do álbum – que associo a uma e outra – parece-me ser a fricção entre espíritos libertário e comunitário. Concordas? E, nessa perspectiva, onde é que situas ao certo o Diabo na Cruz neste momento?

Jorge Cruz: Concordo com a ideia de choque entre a necessidade de expressão de liberdades individuais e os compromissos da vida gregária num território que contém uma cultura, e de como esse boião conflituoso de interesses e expectativas se pode revelar nas ideias que cada um tem acerca do que deseja para si e para o seu país, quando vemos nesse país uma parte importante da nossa identidade. Era com esse tipo de matéria-prima que sentíamos que tínhamos de lidar num segundo disco de Diabo na Cruz, nomeadamente depois da forma como a nossa música, com as suas características, tinha sido recebida no primeiro disco. Ao arrancarmos para este disco, que pretendíamos que representasse uma visão sobre o nosso país, tínhamos consciência de que a temática está carregada de conotações político-partidárias e isso era algo de que desejávamos fugir. A política parece-nos um universo desinteressante, de significados pobres. As nossas aspirações levavam-nos para qualquer coisa ao mesmo tempo mais pessoal e mais amplo.

JS: Há uma frase que me interessou muito – em ‘Baile na Eira’ – que é quando cantas que ‘nós sabemos bem o pouco que queremos/ qualquer coisa de real/ até pode ser um povo”. Porque não só é o povo uma mutante entidade sujeita às mais perversas manipulações para justificar todos os sacrifícios, como, hoje em dia, sempre que se invocam os seus interesses é-se acusado de demagogia. E, no entanto, não se anda na rua sem se perceber que vivemos um tempo de profunda apreensão. É “Roque Popular” uma espécie de reacção a um medo colectivo – ou àquela apatia de que também fala ‘Bomba-Canção’?

JC: Sim, julgo que os conteúdos do disco foram surgindo em diálogo com essa apreensão e a noção que vamos tendo dela sob as mais diversas formas. Sendo que a intenção central para as canções era encontrar um plano atemporal para que elas não ficassem presas às contingências da actualidade, embora em certos momentos específicos parecesse importante fazer um zoom no presente para situar os nossos motivos. A questão do povo é interessante porque descobri ao longo do processo de escrita do disco que é uma das palavras mais difíceis de usar sem ficar imediatamente sujeita a interpretações erradas. A minha intenção de qualquer modo não foi a de nomear o povo enquanto classe mas sim o povo enquanto cultura num sentido abrangente que é a perspectiva que mais me interessa.

JS: Canções como ‘Luzia’ ou ‘Siga a Rusga’ incluem, entre outros, certos aspectos que parecem importantes neste momento: a denúncia do messianismo religioso e do caciquismo como obstáculos à liberdade individual. Foi algo que tiveste em mente?

JC: Não propriamente. Aquilo que procuro com esses cenários é trazer algo de reconhecível para contar uma história que me interessa, que pode ser a minha ou a de outra pessoa qualquer. Essas dimensões reais são fundamentais para a nossa música encontrar o seu contexto e assentar a sua pertinência. As festas religiosas no Norte de Portugal são intensas e algumas chegam a ser bastante assustadoras, o mesmo acontece em Espanha. É impressionante como as pessoas se preparam o ano inteiro para festejar com brio e aprumo em comunidade. Tenho a opinião de que essas características são mais raras do que a liberdade individual, essa está disseminada pela nossa sociedade sem que ninguém a aproveite para fazer nada de verdadeiramente livre.

JS: Por outro lado, apesar de um ambiente de catástrofe eminente que paira sobre partes do álbum, emerge a velha ideia de que, percorrido o tal ‘fadário’ de que falas em ‘Fronteira’, continuaremos a tentar trocar as voltas ao destino. Acreditas que, pelo menos psicologicamente, se vive um tal clima de liberticídio que é necessário relembrar algo tão simples quanto a necessidade (ou a possibilidade) de mudança?

JC: É necessário porque a vontade de não mudar é muito forte. Se calhar é ainda mais forte do que a vontade de mudança que muita gente partilhará por estas alturas. Principalmente quando se vive desanimado, a mudança pode parecer um abismo e o nosso país tem uma tradição sólida de resistência à mudança. De qualquer maneira, não se muda por convencimento nem contra a própria vontade. Normalmente muda-se por obrigação. Mas sempre é melhor sermos nós próprios a obrigar-nos do que vir alguém obrigar-nos a mudar. E talvez seja só essa a amplitude da nossa escolha porque a mudança parece inevitável.

JS: Um dos aspectos mais surpreendentes das canções de “Roque Popular” é o profundo enraizamento simultaneamente literário e coloquial das suas letras sem que percam acuidade para o tempo presente. É em si mesmo uma mensagem, na lírica, referir esta espécie de neutralidade ontológica que se vive nos centros urbanos ao mesmo tempo que se parte para identitários particularismos regionais? Em que mais te foste inspirar?

JC: A minha intenção inicial era poder usar palavras com sabor a terra, palavras vivas, em desuso ou inventadas, livres das amarras do cancioneiro pop. É importante que a linguagem seja também um universo e crie por si só um cenário. Interessa-me o som e a textura das palavras, tanto as ouvidas da boca de um merceeiro como as lidas nos livros do Aquilino Ribeiro. Não me interessam as regras ou etiquetas gramáticas. Atrai-me mais a palavra lembradura do que lembrança. Gosto da ideia de nos apropriarmos das palavras. Se calhar é só mais outra reacção libertária, neste caso face ao acordo ortográfico. Procurei também encontrar palavras que pudessem pelo menos enunciar cenários e texturas daquilo que é a vivência de certas paisagens portuguesas, da sua essência e do seu simbolismo que perdura através dos tempos.

JS: O álbum é permeado pelo uso da alegoria – muitas vezes acentuando diferenciais sociais e individuais – naquilo que é quase um traço comum com a linhagem da música popular de intervenção. Por alturas de “Virou”, falavas da importância de Zeca Afonso, Fausto, Vitorino ou Sérgio Godinho, tendo chegado a gravar com os dois últimos. Mas “Roque Popular” lembra-me mais a Banda do Casaco naquilo que vejo como uma resistência às convenções e ao entrincheiramento ideológico. Como equilibras necessidade de intervir e imunização ao populismo?

JC: Na verdade, cedo muito mais facilmente às tentações populistas do que à necessidade de intervir. Não é preciso voltar a afirmar que nenhuma canção vai mudar o mundo, eu quanto a isso sou tão céptico como o meu vizinho. Se existe um rasto interventivo nestes temas é porque eles têm a ver com as nossas próprias vidas e são aquilo que eu arranjei para dizer no tempo presente. Se as canções fossem sobre corações partidos e a crueldade da mulher quando nos abandona não me parece que pudessem ser lidas como intervenção sobre as relações amorosas nos tempos modernos. São só coisas que temos para dizer e em última análise respondem a intuitos individuais. Relativamente àquilo que chamas música popular de intervenção e à Banda do Casaco há diferenças muito grandes de ponto de vista em relação ao que nós procuramos fazer. Isto porque a nós só nos interessa ser a Madame Bovary, não nos pomos na posição de olhar de fora para a vida dela e descrevê-la, cantá-la ou idealizá-la. Nós confundimo-nos com ela e por isso só falamos de nós próprios.

JS: Outra coisa que pareces querer recordar é aquele absurdo histórico dos ‘brandos costumes’. Cantas em ‘Baile na Eira’: “vai nortada vai/ varre este país/ troca os ventos de brandura/ por algo que abane com isto tudo”. E não será inocente a referência aos Távoras em ‘Memorial dos Impotentes’. Aliás, tens na mesma canção um par de versos terríveis, quando dizes que, por pior que sejam as notícias, “pró bicho da era moderna/ são só mais uma história”. Porque é que achas que, tantos anos desde o 25 de Abril, persiste cá tanta passividade?

JC: Imagino que tenha sido assim a maior parte do tempo. Lendo os Autos de Gil Vicente não encontramos críticas obsoletas no que toca a características arquetípicas da nossa sociedade. A história dos brandos costumes é uma historinha de adormecer. Basta ver os primeiros anos da República para encontrar provas do contrário na História mais ou menos recente. Não sei porque somos um povo que não gosta de se chatear, que prefere que mandem nele e que aceita ter no poder gente em quem não confia. Imagino que seja por uma mistura de defeitos educativos, culturais e de competência. Opinamos sobre economia no café mas se o senhor sentado na mesa do lado diz que é economista dizemos: “pois, você é que sabe doutor, eu não percebo nada de economia”. Somos simpáticos, mas também somos incompetentes como povo. Abusam dos nossos deveres e nós não estamos habilitados para reivindicar os nossos direitos.
JS: ‘Bomba-Canção’ contém das imagens mais explosivas do disco, e parece consciente que todos os sistemas são corruptíveis e que é muitas vezes essa a génese da sua ruína. Não encontro, recentemente, mais lapidar frase sobre a impotência judicial que esta: “na parada dos culpados pela desgraça/ ia um cão de duas patas sozinho na penitência”. Não te vou pedir soluções mas pergunto-te: porque é que achas que se produz por cá tão pouca arte capaz de se dirigir a estes problemas?

JC: Acho que a questão acaba por ser a do porquê existir tão pouca arte que se dirija a qualquer problema que nos seja específico. Essa perplexidade permanece e é também a razão pela qual o Diabo na Cruz se tornou um grupo bem sucedido. Por simples falta de concorrência. Não somos os únicos nessa situação. Há muita coisa mediana a ser exultada devido à falta de termo de comparação. Nós procuramos esforçar-nos para não nos enterrarmos na mediocridade. Mas não é tarefa fácil quando não tens uma referência que te diga: olha, isto é o que tu fazes mas em bom. Existem os grandes nomes da MPP que são intocáveis, e alguns exemplos de música moderna portuguesa com originalidade, o que não existe é um discurso permanente, uma dialéctica viva das nossas linguagens musicais que avance pelas gerações fora.

JS: Desde “Virou”, o Diabo na Cruz deu cerca de 100 concertos pelo país inteiro – foram a muitos sítios que, sinceramente, tive de procurar no mapa. Em “Estrela da Serra” há uma personagem sem eira que diz que “lá consigo ouvir no meio do sarilho/ o bater do coração de Portugal”. Que conhecimento te deu sobre o país – ou melhor, como foi experimentá-lo dessa maneira – a descentralizada acção da banda?

JC: Na minha experiência em particular foi um processo contínuo em relação à vida que eu levava antes. Se calhar com o Diabo na Cruz fui mais vezes a zonas que conhecia pior como as da Beira Interior e essa frescura na memória reflectiu-se em temas do disco mas desde o fim da adolescência que tenho gosto em viajar pelas estradas nacionais, sentar-me nas tascas, dormir no carro junto às barragens, ir a romarias. O que a experiência com o Diabo trouxe, foi a oportunidade de contactar directamente com as pessoas a partir de um palco, ir percebendo melhor o que as une e as distingue em cada sítio, isso e sentir-me mais legitimado para o tipo de trabalho que me interessa.

JS: Diabo na Cruz, entre outros, veio de certa forma revitalizar os lugares e os ambientes da música popular portuguesa. Mas em ‘Pioneiros’ ainda perguntas “o qu’é feito dos pioneiros?/ dos novos pioneiros?/ desses sempre prontos a agarrar o mundo inteiro?”. Parte da missão da banda é a resistência à uniformização cultural que em Portugal se parece dar mesmo com sucessivas novas gerações?

JC: A ideia dos pioneiros é bastante americana. Julgo que se aplica ao nosso tempo como imagem, pela tal percepção de estarmos perante desafios que exigem de nós novas maneiras que serão descobertas por gente empenhada em ocupar terrenos virgens com convicção. A imagem é do Novo Mundo, apesar do Novo Mundo ser exactamente aquele que se encontra em decadência, e aquele que nos empresta os valores que assimilamos por aculturação, mesmo na decadência. Sempre me confundiu o facto de na arte em Portugal se procurar copiar resultados vindos da cultura anglo-saxónica, como em tempos se terá feito com a cultura francesa, na pintura e na literatura por exemplo, quando me parece que o essencial a apreender de outros em termos de criação é sempre o processo e não propriamente o resultado que deverá ser aquilo que distingue um artista do outro. Daí que o fado dos resultados previsíveis e papagueados na música portuguesa em particular seja um assunto aborrecido para nós, Diabo na Cruz. É algo de que somos conscientes e do qual pretendemos andar distantes, por nossa conta e risco, para o bem ou para o mal.

JS: Mas esse é um papel que ocupa por vocação ou porque mais ninguém o desempenha com a mesma concentração? Porque, como é óbvio ouvindo ‘Sete Preces’, ‘Chegaram os Santos’ ou ‘Siga a Rusga’, parte do projecto intrínseco a Diabo na Cruz é o da recuperação de aspectos eminentemente lúdicos na música popular, informado pelas danças, pelas festas juninas, por aquele celebrativo ideário pagão, etc, certo? Presumo que isso ainda norteie parte dos vossos objectivos?

JC: Sem dúvida. Nós não nos esquecemos de que isto é entretenimento e de que se não nos entretiver também a nós, então torna-se uma grande maçada, porque as ideias férteis não trazem necessariamente boas canções e de boas intenções está o Diabo cheio. Aquilo que procuramos numa parcela importante do nosso reportório é uma espécie de levantamento de motivos de festa na cultura portuguesa para aplicação na pop. E isto parte de uma certa inveja por não poder ir “atrás do trem eléctrico”, ver “a banda passar”. Por não poder gritar “nascido em Portugal! sou nascido em Portugal!” e uma carrada de outras manifestações celebratórias em canções, que podem ir do punk rock ao kuduro. Nós reivindicamos o direito à dança e se tivermos de ir resgatá-lo à romaria é para lá que dirigimos o nosso arsenal.
JS: Musicalmente, “Roque Popular” é uma exaltação que parece repudiar a hipocrisia. Quão importante é para a banda equilibrar de forma inclusiva signos da música anglo-saxónica, da pop portuguesa, do folclore etnográfico e da saloiice pimbadélica num discurso que resiste à normalização?

JC: Há uma parte de nós que se dedica a procurar articular num centro tudo aquilo dentro do que nos rodeia que possa ser trazido às canções sem que elas percam identidade. No fundo, para testar os limites desta experiência e procurar descobrir até onde é que uma música enraizada em melodias e ritmos de inspiração popular poderá ir, dado que embora para já pensemos ter encontrado um lugar nosso, suficientemente distante do dos outros grupos portugueses, não faz sentido imaginarmos estas areias movediças tão abandonadas como têm estado e parece-nos óbvio e necessário que mais e melhores venham concretizar outro tipo de ideias neste campo. É isso que, imaginamos, virá a acontecer no futuro. A inevitabilidade deste caminho está vincada na História da música popular. Não só por aí terem caminhado os grandes das canções de outras culturas, como por ter sido o caminho traçado pelos nossos escritores de canções mais marcantes, e bandas mais originais. Daí que não nos caiba na cabeça que não surjam no futuro propostas sólidas e genuínas de música de identidade portuguesa que dispare em direcções muito mais interessantes do que aquelas que o Diabo na Cruz consegue alcançar.

JS: A natureza da banda manteve-se embora se tenham alterado parte dos intervenientes desde “Virou”. A combinação de bateria e percussão (dos irmãos João e Manuel Pinheiro), por exemplo, acentua uma dimensão algo telúrica nas novas canções. Era esse o objectivo?

JC: Sim, foi um objectivo consciente e que trabalhámos detalhadamente. Para quem se interessa por música tradicional portuguesa e pelos seus instrumentos a força das percussões, dos bombos, das caixas, dos adufes, ou o quase-humor das percussões leves, ferrinhos, pandeiretas, trancanholas são altos expoentes da texturalidade e da pungência da nossa música. É verdade que o trabalho com esses instrumentos já foi muito bem defendido por projectos como o Ó Que Som Tem, o Toca a Rufar, a Brigada Victor Jara ou os Gaiteiros de Lisboa, por exemplo. De qualquer modo, queríamos tentar encontrar formas de unir essa força à do poder bruto do rock sem cairmos necessariamente em soluções à Sepultura, se calhar com uma orientação mais próxima daquela que o Paul Simon ou o David Byrne procuraram nos ritmos africanos e brasileiros, sendo que no caso das nossas percussões o imaginário é mais denso, quase medieval, pelo que ainda é um desafio encontrar uma palete de cores novas para este tipo de percussão servir um formato de canção rock e conferir uma abordagem distintiva tanto em relação à música popular como à música moderna já existentes.

JS: Com B Fachada como convidado, dadas as crescentes incompatibilidades de agenda, o núcleo da banda para as gravações fixou-se em Bernardo Barata, João Gil, João Pinheiro, Manuel Pinheiro, Sérgio Pires e Márcio Silva. Como foi pensar nos arranjos para uma formação distinta da que gravou “Virou”?

JC: No que toca ao processo de composição para este disco, o método não mudou muito em relação ao disco anterior. As músicas são compostas sem o uso de instrumentos, através de um processo de memorização mental que se baseia na ideia de oralidade e depois são comunicadas à banda como objecto final sobre o qual começamos a arquitectar um arranjo. Quanto aos arranjos, tivemos duas fases distintas. Uma primeira, bastante mais aberta, na qual cada um tomou o caminho que quis, no instrumento que quis e da qual saíram uma dúzia de canções, quatro das quais (Luzia, Estrela da Serra, Pioneiros e Santos) sobreviveram à selecção final. Numa segunda fase, trabalhámos à semelhança do primeiro disco: primeiro a secção rítmica e a estrutura das canções e finalmente toda a decoração em volta delas. Nesse aspecto mais decorativo, a saída do Fachada foi uma mudança relevante no funcionamento da banda, tivemos de trabalhar sem as segundas vozes e a braguesa até encontrarmos alguém adequado para o papel. O Márcio é um músico e cantor muito talentoso que eu conhecia dos tempos do Porto e com quem já tinha tido boas conversas sobre Fausto e Zeca Afonso e tal como o Sérgio traz a energia portuense que nos torna uma banda mais nacional, o que é muito interessante para os nossos objectivos. Os dois são também bateristas, o que, somado ao trabalho do João e do Manuel Pinheiro (que já anda na estrada connosco há um ano) nos permite pensar em recriar as festas Nicolinas em palcos mais robustos.

JS: Ouço “Roque Popular” como uma polissémica manifestação dos princípios de “Virou”, em que tudo o previamente enunciado ganha mais leituras, mais sentidos, mais massa crítica. E tudo é igualmente mais denso, mais arriscado e aprofundado. Há aqui uma noção – em partes semi-sinfónica e noutras com ambição coral – do épico, do trágico, do dramático. Mas quão importante é que se evite a caricatura e que se atinjam resultados efectivamente acessíveis?

JC: Se dermos à palavra acessível a melhor das conotações, ser acessível é fundamental. Isto é música feita por gente do povo para gente do povo. Nós não estamos nada interessados em pertencer a qualquer tipo de elite, até porque em geral as elites são estufas de medos. Não temos quaisquer pretensões à erudição e desconfiamos muito do bom gosto. A nós interessa-nos a arte pura e simples de cantar e dançar como contexto para a expressão do tipo de eloquência que se reconhece a certos gasolineiros, maquinistas ou arpoadores. O que fazemos não está acima das pessoas, está ao lado delas. E o nosso desejo é que possa ser intuitivamente entendido por elas.

Biografias dos membros de Diabo na Cruz*:

Jorge Cruz: começou a compor em 1990. Nascido em 1975, viveu até aos 10 anos na Praia da Barra, Aveiro. No ano de 1985 mudou-se para o Lobito, Angola, onde fez o primeiro ano do ciclo preparatório. Regressou a Aveiro no ano seguinte. Entre 1989 e 1991 viveu em Almada. Regressou à Praia da Barra onde viveu até 1998, altura em que se mudou para o Porto. Em 2006 passou a viver em Lisboa. Com os Superego editou “Quem Concebeu o Mundo Não Lia Romances” (1998) e “A Lenda da Irresponsabilidade do Poeta” (2001). Em 1999 editou um disco gravado em 4 pistas sob o nome de “o pequeno aquiles”. A solo editou “Sede” (2004) e “Poeira” (2007) de onde se retiraram singles que ganharam popularidade como “Adriana”, “Fado de Uma Rua Qualquer”, “Nada” ou “Anda Menina”. Em 2008 fundou os Diabo na Cruz e um ano mais tarde a banda estreou-se com “Virou!”. Produziu discos dos Golpes, dos Pontos Negros e de João Só e os Abandonados. Co-produziu discos de B Fachada e de João Coração. Participou em discos de More República Masónica, de Tiago Guillul e de Samuel Úria. Escreveu letras para discos de Movimento e Amor Electro. Em final de 2011 lançou “Barra 90”, um álbum a solo em que recuperou canções originalmente compostas na década de noventa.

Bernardo Barata: nasceu em Lisboa em 1976. Sempre quis fazer música, mas antes de se lhe poder dedicar exclusivamente estudou hotelaria e trabalhou na Suiça, Inglaterra e EUA acompanhado de um gravador de 4 pistas, guitarra e microfone na mala, gravando o que lhe vinha à cabeça. Regressado a Portugal passou por editoras de música (Warner Music e BMG) e foi júri no programa Operação Triunfo da RTP. Como músico tocou nos grupos Oioai e Real Combo Lisbonense mantendo-se hoje com Diabo na Cruz e Feromona, sempre no baixo eléctrico. Gravou os Tv Rural em 2001, dando início à actividade paralela de gravar outros artistas, tendo trabalhado com gente diversa como Tiago Guillul, António Zambujo, Os Quais, David Pires, Márcia, Diego Armés, entre outros. Vai a caminho do terceiro filho e preza a vida familiar tanto como a artística.

João Gil: nasceu em Lisboa em 1980. Descobre a música como a conhece hoje em dia aos 7 anos e aprende a tocar guitarra clássica. Mais tarde ao ouvir jazz pela primeira vez decide estudar música e faz o curso de guitarra e piano na Escola de Jazz do Hot Clube, tornando o piano na sua ferramenta de trabalho principal. Durante o curso forma com três amigos (actuais membros de You Can't Win Charlie Brown) o grupo Voodoo Economics e começa novamente a entrar pelo universo do rock. Fez parte de grupos como Tiago Bettencourt e Mantha e Julie and the Carjackers. Actualmente faz parte dos grupos Diabo na Cruz, You Can't Win Charlie Brown, Feromona, Saumik e trabalha também com artistas como Diego Armés e Joana Barra Vaz. O seu primeiro trabalho a solo surge na edição dos Novos Talentos Fnac em Junho de 2012.

João Pinheiro: nasceu em Lisboa em 1979. Envolvido com a música desde cedo, começou por tocar piano quando era ainda criança mas é como baterista que segue o seu percurso na música, para além de tocar percussões e vibrafone nas horas vagas. Já na adolescência foi um dos membros fundadores de bandas como os Pope's Bull e Tv Rural, com a qual ainda toca actualmente, e mais tarde das bandas GNU e Diabo na Cruz. Integra a actual formação do grupo de rock psicadélico dos anos 70, Ephedra. Tocou também com os Oioai, José Castro, João Coração, Trio Margens e no projecto Parque de Ricardo Jacinto e faz parte do Real Combo Lisbonense. Para além de músico é também professor de música numa escola primária. Em 2004 terminou o curso de Filosofia e estudou jazz em Lisboa, ainda que a sua principal viagem seja no rock.

Manuel Pinheiro: nasceu em Lisboa em 1982 e cresceu em Oeiras. Desde muito novo começou a tocar instrumentos e cedo passou a dividir o seu tempo livre entre os ensaios com grupos de música e a praia. Em Lisboa estudou Produção Musical e Técnicas de Som, tocou com Tv Rural e ajudou a fundar o projecto Parque. Mudou-se para Londres em 2004 onde se licenciou em Sound Arts e trabalhou como desenhador de som e compositor para teatro e dança contemporânea. Em 2011 volta a Portugal e vem juntar-se à cena rock/indie/ popular como percussionista dos Diabo na Cruz e operador de som de grupos como Real Combo Lisbonense e You Can't Win Charlie Brown.

Sérgio Pires: António Sérgio Gilberto Pires, nascido em 1980 e criado em Massarelos, Porto. Com 7 anos sonha que integra os Beach Boys, mas o que faz são interpretações da música de Rão Kyao nos jantares de familia. Em 1993, nas férias de Verão, impulsionado pelos membros dos Danças Ocultas, dá o seu primeiro concerto ao vivo tocando José Afonso, enquanto escreve rimas para os primeiros beats de hip hop a Norte. Até 1996 ocupa as tardes de Sábado em várias bandas de garagem, enquanto cresce o vício pela música negra. Em 1996, junto com o seu irmão guitarrista e os melhores amigos, descobre os palcos do país com a banda Sloppy Joe, que integra até 2006, sendo o seu principal compositor e produtor. Começa os estudos musicais em 1995 aprendendo vários instrumentos. Em 1997 faz o curso de baixo eléctrico na Escola de Jazz de Porto, e frequenta também aulas de bateria, formação musical e percussão clássica. Junta-se aos amigos de liceu em 2004 onde partilha o amor pela música jamaicana, integrando as bandas Sativa e mais tarde como baixista dos Souls of Fire, onde cumpre hoje as funções de baterista. Tem colaborado ao longo dos anos com diversos projectos, do punk à electrónica, quer ao vivo quer em estúdio, entre eles Expensive Soul, Human Chalice ou Jorge Cruz... ainda sonha vir a ser jogador da NBA, depois de se reformar dos palcos.

Márcio Silva: Márcio Filipe Marques da Silva, nascido em Paranhos, Porto. Cresceu em Águas Santas, local onde as festas, nomeadamente as competições de bombos, lhe fizeram nutrir um profundo trauma com a música estrondosamente percutida, foguetes e consequentemente trovoadas. Com ironia, aos 16 anos é-lhe apresentado a bateria, instrumento que para sua felicidade casou em pleno com a hiperactividade juvenil. Teve vários projetos que serviram fundamentalmente para ajudar algumas lojas de música a vender mais peles e baquetas. Conhece o reggae através dos amigos e em 2003 tocou com Sativa e, a partir de 2004, com Souls Of Fire. Fez parte de grupos de percussão e danças africanas, o que o leva a tocar no projecto Semente e mais tarde com Terrakota, banda onde continua. Conheceu o Diabo e o Cruz quase em simultâneo, o que o ajudou a integrar as gravações do segundo álbum de Diabo na Cruz. Hoje é mais músico que melofóbico e tem ainda a intenção e o sonho de criar uma orquestra de trovões do mundo.

*Nas fotos falta Sérgio Pires
("Roque Popular" é uma edição Murmúrio com distribuição da Mbari)

Diabo na Cruz no EXPRESSO

Norberto Lobo e Carlos Bica no ÍPSILON

Diabo na Cruz no BODYSPACE

Diz Hugo Rocha Pereira: “estamos na presença de música urbana feita com o pés bem assentes na nossa terra e com potência suficiente para abrir fendas profundas no solo mais resistente”.

Gala Drop no EXPRESSO

Diabo na Cruz "Roque Popular" (capa)

Carmen Souza no TOCA E FOGE

Diabo na Cruz 'Bomba-Canção' (Vídeo)

Vídeo de André Princípe.
'Bomba-Canção' é o tema de abertura do novo álbum de Diabo na Cruz, à venda a partir de dia 23!

Kimo Ameba no BODYSPACE

Paulo Cecílio goes Gobern no Bodyspace: “No campeonato interno da Cafetra, os Kimo Ameba são uma espécie de Sporting de Braga. (…) Mas a sua suposta pequenez torna-se igualmente a sua força: permite-lhes jogar sem qualquer espécie de pressões. E isso normalmente gera bons resultados”.

Kimo Ameba no RUA DE BAIXO (Entrevista)

“O pessoal tem que ouvir mais as bandas da Cafetra e ler menos sobre elas”… dito isto, leiam a prosa do Pedro Arnaut para o Rua de Baixo aqui.

Pega Monstro na TIME OUT LISBOA

Gala Drop na TIME OUT LISBOA

B Fachada na TIME OUT LISBOA (Agenda: concerto em Almada, Sábado, 21h30 no Teatro Municipal)

Pega Monstro no ESPALHA FACTOS

Acha João Morais que “pode não ser perfeito, mas uma coisa é certa: Pega Monstro está cheio de bons momentos, sendo bem capaz de encantar aqueles que gostam de música desafiante e a transbordar de sentimento”.

Pega Monstro no EXPRESSO

Em crítica conjunta a Passos em Volta e Kimo Ameba, conclui João Lisboa: “A chinfrineira será muito catártica, duas ou três gerações acima imaginarão que regressaram ao pátio do liceu mas, por Rimbaud!, não se alucinem genialidades onde só há uma emissão do Canal de História Punk de festa de finalistas”.

Pega Monstro no COTONETE

Entrevista no Cotonete.

Pega Monstro na VISÃO